FAUVISMO

Fue un movimiento pictórico francés aprox. (1905-1908) siglo XX, caracterizado por un empleo provocativo del color. movimiento contemporáneo al impresionismo Su nombre procede de fauve, fiera en español dado por Louis Vauxcelles tras contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos, presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905.

Sus orígenes se dan Van Gogh y Gauguin, que huyendo del impresionismo, tomaron una ejecución libre y personal, impulsiva y pasional, a la vez que apostaron por obras intensamente coloreadas.

Su punto de partida fue la resolución de problemas puramente plásticos, como el empleo del color en una doble función plástica y constructiva al mismo tiempo.

El maestro del grupo fue Gustave Moreau, forzaba a sus alumnos a pintar con independencia y con la técnica que fuera más adecuada a su temperamento.

No fue un movimiento conscientemente definido, careció de un manifiesto, cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura.

No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno.

La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad.

Gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras.

·         El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos, trabajaron con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, secundarios y complementarios, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática. Se olvidan otros aspectos como el modelado, el claroscuro y la perspectiva, expresando sentimiento.

·            destacaban la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas, pintaron el mundo rural y otros el ámbito urbano, no muestra el color real de las cosas.

·         Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, sin el uso de la paleta, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir. El color se independiza del objeto.

·         Los artistas no tienen ninguna relación exclusiva con ninguna clase especial de temática; pintan paisajes, bodegones, retratos.

El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color. André Derain, Maurice de Vlaminck.

OBRAS DE HENRI MATISSE

HABITACIÓN ROJA

EL TURBANTE ROJO

LA ALEGRÍA DE VIVIR

OBRAS DE ANDRÉ DERAIN

EL PUENTE DE CHARING

EL ESTANQUE

PUERTO DE LONDRES

OBRAS DE MAURICE DE VLAMINCK

EL RÍO SENA EN CHATOU

VINOS Y COLORES

EL RESTAURANT MARLY

EXPRESIONISMO

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, escultura, pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fovismo, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”.(1era Guerra mundial).

Se extendió por varios países de América, Europa, ecuador (Oswaldo Guayasamín).

Dos grupos en Alemania se consideran específicamente expresionistas. "Die Brücke"(El Puente) fundado en 1905 en Dresde, y "Der Blaue Reiter" (El jinete azul) en Múnich (1911). El primero tiene como representantes a: Ernst Ludwing Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff. El segundo se forma por la asociación de los rusos Wassily Kandinsky y Alexei von Javlenski; los alemanes Grabriele Münter y Franz Marc; y el suizo Paul Klee.

Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo.

Su principal característica es la primacía de lo subjetivo, fantástico, deforme e irracional.

Surgido como reacción al impresionismo, los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.  Su temática de soledad y miseria, reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania. El expresionismo defendía la libertad individual.

Avances técnicos e industriales, además la aparición de la fotografía y el cine. Tras la Segunda Guerra Mundial el expresionismo desapareció como estilo.

Mezcla de colores fuertes y puros, distorsiona las formas, el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos. Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo.

Concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.

Protagonizan las obras elementos como máscaras y paisajes. Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes, influencia de áfrica y Oceanía y del renacentismo.

Está presente el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos.

Predominan los colores los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro.

El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.

Las raíces del expresionismo se encuentran en estilos como el simbolismo y el postimpresionismo.

La arquitectura expresionista se desarrolló principalmente en Alemania, Países Bajos, Austria, Checoslovaquia y Dinamarca. Se caracterizó por el uso de nuevos materiales como el ladrillo, el acero o el vidrio, uso de formas biomórficas.

 Un aporte teórico a la arquitectura expresionista fue el ensayo Arquitectura de cristal como el Pabellón de Cristal de la Exposición de Colonia de 1914. Los principales arquitectos expresionistas fueron: Bruno Taut, Walter Gropius, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz Höger, Hans Scharoun y Rudolf Steiner.

La escultura expresionista no tuvo un sello estilístico común, siendo el producto individual de varios artistas que reflejaron en su obra la distorsión formal propias del expresionismo. Destacan especialmente tres nombres:

·         Ernst Barlach: inspirado en el arte popular ruso y la escultura medieval alemana, sus obras tienen cierto aire caricaturesco, trabajando el volumen, la profundidad y la articulación del movimiento. Desarrolló dos temáticas principales: lo popular (costumbres cotidianas, escenas campesinas) y sobre todo después de la guerra el miedo, la angustia, el terror. No imitaba la realidad, sino que creaba una realidad nueva, jugando con las líneas quebradas y los ángulos, con anatomías distanciadas del naturalismo, tendiendo a la geometrización. Trabajó preferentemente en madera y yeso, que en ocasiones pasaba posteriormente al bronce. Entre sus obras destacan: El fugitivo (1920-1925), El vengador (1922), La muerte en la vida (1926), El flautista (1928), El bebedor (1933), Vieja friolera (1939), etc.

·         Wilhelm Lehmbruck: su obra tiene un marcado carácter clasicista, si bien deformado y estilizado, y con una fuerte carga introspectiva y emocional. (Mujer arrodillada, 1911; Joven de pie, 1913).[30]

·         Käthe Kollwitz: su obra tiene un marcado componente de reivindicación social, con esculturas, litografías y aguafuertes que destacan por su crudeza. La revuelta de los tejedores (1907-1908), La guerra de los campesinos (1902-1908), Homenaje a Karl Liebknecht (1919-1920).

En la década de 1920, la escultura derivó hacia la abstracción

PINTURA

Los elementos más característicos son el color, el dinamismo y el sentimiento.

Ensor, munch, Kirchner

El más destacado fotógrafo expresionista fue sin duda August Sander: estudiante de pintura, se pasó a la fotografía, abriendo un estudio de retrato en Colonia. Se dedicó principalmente al retrato.

Otros destacados fotógrafos fueron: Karl Blossfeldt, profesor de forja en una escuela de artes aplicadas, en 1890 se inició en la fotografía principalmente para obtener modelos para sus trabajos en metal.

CINE

El cine expresionista alemán impuso en la pantalla un estilo subjetivista que ofrecía en imágenes una deformación expresiva de la realidad, traducida en términos dramáticos mediante la distorsión de decorados, maquillajes, etc, y la consiguiente recreación de atmósferas terroríficas o, cuando menos, inquietantes.

 La estética expresionista tomó sus temas de géneros como la fantasía y el terror, reflejo moral del angustioso desequilibrio social y político que agitó la República de Weimar.

Entre los principales cineastas expresionistas cabría destacar a Robert Wiene, Paul Wegener, Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang.

DANZA

A la danza expresionista se la denominó también “danza abstracta”, ya que supuso una liberación del movimiento, alejado de la métrica y el ritmo, paralelo al abandono de la figuración por parte de la pintura, a la vez que su pretensión de expresar mediante el movimiento ideas o estados de ánimo coincidió con la expresión espiritual de la obra. Uno de los máximos teóricos de la danza expresionista fue el coreógrafo Rudolf von Laban, quien creó un sistema que pretendía integrar cuerpo y alma, poniendo énfasis en la energía que emanan los cuerpos, y analizando el movimiento y su relación con el espacio. Los aportes de Laban permitieron a los bailarines una nueva multidireccionalidad en relación al espacio circundante, a la vez que el movimiento se liberó del ritmo, otorgando igual relevancia al silencio que a la música.

LITERATURA

Se desarrolló en tres fases principales: de 1910 a 1914, de 1914 a 1918 coincidiendo con la guerra y de 1918 a 1925. Aparecen como temas la guerra, la urbe, el miedo, la locura, el amor, el delirio, la naturaleza, la pérdida de la identidad individua,  deformidad, la enfermedad y la locura como el motivo de sus obras. Los escritores expresionistas criticaron la sociedad burguesa de su época, el militarismo del gobierno del káiser, la alienación del individuo en la era industrial y la represión familiar, moral y religiosa, por lo que se sentían vacíos, solos, hastiados, en una profunda crisis existencial. El escritor presenta la realidad desde su punto de vista interior, expresando sentimientos y emociones más que impresiones sensitivas. Los principales precursores de la literatura expresionista fueron Georg Büchner, Frank Wedekind y el sueco August Strindberg.

La muerte de Danton (Dantons Tod, 1835) y Woyzeck (1836), Wedekind El despertar de la primavera (Frühlings Erwachen, 1891), El espíritu de la tierra (Erdgeist, 1895) y La caja de Pandora (Die Büchse der Pandora, 1902). Strindberg inauguró con Camino de Damasco (Till Damaskus, 1898).

El expresionismo fue difundido por revistas como Der Sturm y Die Aktion, así como el círculo literario Der Neue Club, fundado en 1909 por Kurt Hiller y Erwin Loewenson

NARRATIVA

La narrativa expresionista supuso una profunda renovación respecto a la prosa tradicional, tanto temática como estilísticamente, suponiendo una aportación imprescindible al desarrollo de la novela moderna tanto alemana como europea. Los autores expresionistas buscaban una nueva forma de captar la realidad, la evolución social y cultural de la era industrial. Existieron dos corrientes fundamentales en la prosa expresionista: una reflexiva y experimental, abstracta y subjetivizadora, representada por Carl Einstein, Gottfried Benn y Albert Ehrenstein; y otra naturalista y objetivizadora, desarrollada por Alfred Döblin, Georg Heym y Kasimir Edschmid, novelas como La metamorfosis (Die Verwandlung, 1915), El proceso (Der Prozeß, 1925), El castillo (Das Schloß, 1926) y El desaparecido (Der Verschollene, 1927).

POESÍA

Centrada sobre todo en la realidad urbana, pero renovadora respecto a la poesía tradicional, asumiendo una estética de lo feo, lo perverso, lo deforme, lo grotesco, lo apocalíptico, lo desolado, como nueva forma de expresión del lenguaje expresionista. Los principales poetas expresionistas fueron Franz Werfel, Georg Trakl, Gottfried Benn, Georg Heym, Johannes R. Becher, Else Lasker-Schüler, Ernst Stadler y August Stramm. Asimismo, el expresionismo ejerció una gran influencia en la obra de Rainer Maria Rilke.

TEATRO

El teatro expresionista puso énfasis en la libertad individual, en la expresión subjetiva, el irracionalismo y la temática prohibida. Su puesta en escena buscaba una atmósfera de introspección, de investigación psicológica de la realidad. Utilizaban un lenguaje conciso, sobrio, exaltado, patético, dinámico, con tendencia al monólogo, forma idónea de mostrar el interior del personaje. Proliferaron los cabarets, que unían representación teatral y música, como en Die Fledermaus (El Murciélago), en Viena; Die Brille (Las Gafas), en Berlín; y Die elf Scharfrichter (Los Once Verdugos), en Múnich.

Los principales dramaturgos expresionistas fueron Georg Kaiser, Fritz von Unruh, Reinhard Sorge, Ernst Toller, Walter Hasenclever, Carl Sternheim, Ernst Barlach, Hugo von Hofmannsthal y Ferdinand Bruckner. Cabe remarcar también la figura del productor y director teatral Max Reinhardt.

MÚSICA

Es la comunicación entre individuos, por medio del alma, sin necesidad de un elemento externo, pretendía desligar la música de los fenómenos objetivos externos, siendo instrumento únicamente de la actividad creadora del compositor y reflejando principalmente su estado anímico, fuera de toda regla y toda convención. Entre los músicos expresionistas destacaron especialmente Arnold Schönberg, Alban Berg y Anton von Webern, trío que formó la llamada Segunda Escuela de Viena,

·         Arnold Schönberg su obra resurgió con una composición ya totalmente dodecafónica: Quinteto para instrumentos de viento (1924), Tercer cuarteto para cuerda (1927), Variaciones (1926-1928), etc.

Anton von Webern: circunscrito a obras de pequeño calibre, no tuvo mucho reconocimiento en vida, si bien su obra fue profundamente vanguardista e innovadora. Entre sus obras destacan Bagatelas (1913), Trío para cuerdas (1927), La luz de los ojos (1935) y Variaciones para piano (1936).

Alban Berg: alumno de Schönberg. Entre sus obras destacan las óperas Wozzeck (1925) y Lulú (1935), además de Suite lírica para cuarteto de cuerda (1926) y Concierto para violín y orquesta (A la memoria de un ángel) (1935).

Obras de marcado carácter popular, influidas por el cabaret y el jazz, como el Ballet triádico (Triadisches Ballet, 1922) de Oskar Schlemmer, que conjugaba teatro, música, escenografía y coreografía. Uno de sus máximos exponentes fue Paul Hindemith, uno de los primeros compositores en crear bandas sonoras para cine, así como pequeñas piezas para aficionados y colegiales y obras cómicas como Novedades del día (Neues vom Tage, 1929). Otro exponente fue Kurt Weill, colaborador de Brecht en diversas obras como La ópera de tres centavos (Die Dreigroschenoper, 1928).

ÓPERA

El espíritu renovador del cambio de siglo, que llevó a todas las artes a una ruptura con el pasado y a buscar un nuevo impulso creador, Schönberg compuso dos óperas en ese contexto: Moses und Aron (compuesta desde 1926 e inacabada) y De hoy a mañana (Von Heute auf Morgen, 1930). Pero sin duda la gran ópera del atonalismo fue Wozzeck (1925), de Alban Berg, basada en la obra teatral de Georg Büchner, ópera romántica en cuanto a temática pero de compleja estructura musical, experimentando con todos los recursos musicales disponibles desde el clasicismo hasta la vanguardia, de lo tonal a lo atonal, del recitativo a la música, de la música popular a la música sofisticada de contrapunto disonante.

JAMES ENSOR

INTRIGA

BANQUETE DE HAMBRE

EL ASOMBRO DE LA CÁMARA DE WOUSE

EDVARD MUNCH

EL BAILE DE LA VIDA

EL GRITO

VAMPIRO

ERNST LUDWING KIRCHNER

COCINA ALPINA

MINA DE ARCILLA

MUJERES EN LA CALLE

CON MI CORAZÓN EN YAMBO

LA DESAPARICIÓN DE LOS HERMANOS RESTREPO, bajo la responsabilidad de la Policía Ecuatoriana.

Documental dirigido por María Fernanda Restrepo, hermana de Santiago y Andrés, jóvenes desaparecidos el 8 de enero de 1988.

Con mi corazón en Yambo es el nombre de la película que resume más de 20 años de lucha de su familia tras la desaparición y muerte de sus hermanos Pedro Andrés y Carlos Santiago, el 8 de enero de 1988.
Lo que pretende el documental es es hacer un resumen, que no es menos explícito por ser condensado, sobre lo que pasó, la lucha de una familia, la solidaridad de un pueblo, la presencia de los medios. Da la pauta para mostrarlo no solo en el país, sino en cualquier parte del mundo.
La parte de lucha de la familia se conoce solo externamente, pero muy poco o nada, de la parte interna.
Un crimen como estos, la tragedia de la desaparición de dos niños, impacta al seno de un hogar y, prácticamente, lo destruye. A partir de eso, se formó otra lucha paralela, que es tratar de que este hogar no se destruya por una pérdida muy grande. Estos son antecedentes importantes, personales, de la frustración que se vivió en la familia, y eso se muestra en el filme.
El mensaje es muy claro: cuando los pueblos permiten gobiernos intolerantes que imponen sus ideas, violan los derechos humanos y consienten que sus fuerzas represivas se encarguen de torturar y desaparecer, muchas veces, a niños inocentes, es una muestra de lo que la sociedad permite con su indiferencia.

El documental de María Fernanda Restrepo es el deseo de hacer un ejercicio de memoria, de recordar, para no morir. Su propuesta no es una historia que se cuenta cronológicamente, es relatada en dos niveles, el de la memoria íntima, “el de las pocas memorias que me quedan de niña“, dice la directora.

Un largometraje de dos horas que recuerda el bullado caso de los hermanos Restrepo. A los 23 años aún persiste la pregunta, ¿dónde están Santiago y Andrés?, en la laguna de Yambo, eso dicen.

“Con mi corazón en Yambo” no es para hacerle un análisis frío intelectual, porque hay un contenido emocional. Más que una película, la producción en un grito desesperado en nombre de una familia, de una época, de un país que se atreve a ver su lado más puro. “Sería una falta de honestidad intelectual abordar esta película sin tomar en cuenta lo que está adelante y atrás de ella”, dice el crítico Galo Torres.

Este documental recuerda el hoyo negro hecho de ausencia. “Hay que hablar como poeta no como crítico, pues la historia se teje en dos hilos, por un lado el de la familia con el trato al dolor de Pedro Restrepo, aquel hombre vestido de blanco que siempre va a la Plaza de la Independencia frente al Palacio de Gobierno. Pedro, tiene una bandera blanca inmensa con la imagen de sus dos hijos que la hace flamear en esa plaza donde una vez un niño le preguntó, que pasó y porque está ahí.

Otro hilo conductor es el del cinismo, egoísmo, me parece nazi, fascista, el texto es tan fuerte que uno se queda conmovido, removido y no sabes qué decir”, explica Torres.

Sin embargo, “Con mi corazón en Yambo” tiene un trabajo interesante de edición, es uno de los más complejos que se ha hecho, es un tramado muy sutil, no es una cinta para asimilarla de golpe.

El documental trata del Caso Restrepo, ocurrido el 8 de enero de 1988 y el cual fue declarado crimen de Estado. Se basa en los recuerdos de Fernanda Restrepo, hermana menor de Carlos Santiago y Pedro Andrés Restrepo Arismendy, quienes fueron asesinados brutalmente y sin razón alguna a la edad de 17 y 14 años respectivamente por parte de la Policía Nacional.

El film revive el momento trágico de los recuerdos de Fernanda quien tenía 10 años de edad cuando el 8 de enero de 1988 fue dejada a cargo de sus hermanos por sus padres Pedro Restrepo y Luz Arismendi debido a un viaje que realizaron en Bahía de Caráquez.Luego de que Santiago y Andrés dejaran a Fernanda al colegio nunca más regresaron por ella.

Un año mas tarde de la desaparición de sus hermanos el ex agente de la SIC-10, Hugo España revela la muerte brutal de los hermanos Restrepo por parte de la Policía Nacional. En años posteriores revelaron un accidente no muy esclarecido de los jóvenes quienes supuestamente murieron ahogados en la laguna de Yambo en Cotopaxi donde se hicieron numerosas búsquedas.

Después de 20 años de la desaparición de Santiago y Andrés se abre el caso con una última búsqueda en el Yambo, esto es lo que inspira la necesidad de investigar, hacer memoria interna y revivir el escaso recuerdo de su niñez sobre este caso y lo que la impulsa a cuestionar si realmente los restos de sus hermanos se encuentra en algún lugar de Yambo.

El 08 de Enero de 1988 en extrañas circunstancias desaparecieron los hermanos Santiago de 17 años y Andrés de 14. Luego de un año de desconocimiento y angustia su familia se entero que ese día fueron secuestrados, torturados y asesinados. Sus cuerpos fueron arrojados a la laguna de Yambo sin embargo nunca los encontraron.

Luego de más de 20 años se reabrió una nueva búsqueda en Yambo y a la par se abre mi redescubrimiento personal de esta historia que viví a media

 “Los Restrepo, un caso que el Ecuador se niega a olvidar”, que más bien debería decir, UN CASO QUE EL ECUADOR NO PUEDE, NI DEBE OLVIDAR, el documental tiene un sentido profundamente humano y de búsqueda de la humanización de los que ignoran lo sucedido, un poema que discierne entre la injusticia del poder estatal, la corruptela policial, la lucha, la exigencia y esperanza por la JUSTICIA, pero sobretodo un poema de amor infinito y trascendente por los DESAPARECIDOS y por los que han empuñado la resistencia a su muerte injusta.

'IN THE MOOD FOR LOVE'

Al principio la solidaridad en el resentimiento, después la complicidad y más tarde el amor contenido, marcan la compleja y atormentada relación que mantienen los dos protagonistas.

Se trata es de grabar en la memoria o, mejor dicho, traer a la memoria una historia de amor en potencia que sucede entre 1962 y 1966. La trama tiene lugar en distintos escenarios, aunque la mayor parte de la película está ambientada en Hong Kong.

1962 a 1966 son años que corresponden a la infancia del director en esa ciudad, tras su llegada desde Shanghai. El año 66 es un hito histórico ya que supuso el inicio de una gran masa de inmigración de China, que presagiaba ya la incipiente Revolución cultural maoísta, a la colonia inglesa de Hong Kong. Entre esos inmigrantes se hallaba el mismísimo Kar Wai junto a sus padres. Y es quizás por ello que, mediante la ambientación, el retrato de una época se convierte en uno de los objetivos del film.

La anécdota es sencilla: dos parejas comparten un departamento donde rentan cuartos contiguos. Un marido seduce a la mujer de su vecino, quien le corresponde, y la pareja engañada se abandona a su vez, con los reparos del escrúpulo moral, a una pasión amorosa negada a la plenitud.

Cine no narrativo, lírico y abstracto hasta niveles inimaginables.
La estructura de la película es diacrónica ya que se cuenta una historia que pertenece al pasado. Se trata de la rememoración de un tiempo que se desvanece en el recuerdo.

En este sentido, el director nos coloca algunos rótulos con el lugar y la fecha de los acontecimientos. El relato audiovisual se abre y se cierra de manera similar. Se trata de dos citas que provienen de un relato corto.

La función de esta nota es la de situar al espectador claramente ante un género de drama romántico. Pistas no faltan para darse cuenta. Y es un anticipo de lo que será la historia: un amor que nunca se consumará. Contestando a esta cita, el de cierre dice: “Él recuerda esa época pasada como si mirase a través de un cristal cubierto de polvo. El pasado es algo que se puede ver, pero no tocar. Y todo cuanto se ve está borroso y confuso”. Digo que contesta o mejor completa el primer rótulo porque, ya que el segundo ponía énfasis en características más de contenido, este segundo centra la atención sobre la forma que utilizará el director para contarnos la historia: a través de la memoria. Las secuencias son como recordadas.

La vida no es real sino que es un reflejo, una imitación. Y el recuerdo sólo recompone, reestructura. Que es lo que hace el realizador de la película al fin y al cabo. Argumentos y recursos de montaje para poner en evidencia este hecho hay muchos. Uno de ellos es el montar escenas de diferentes días en secuencias que parece que son lineales en el tiempo. Uno se da cuenta de que se trata de diferentes jornadas por los vestidos y las distintas corbatas que lucen en las escenas que conforman las secuencias. De este modo, se pone de relieve la monotonía de sus paralelas existencias. El recurso de la repetición es también muy usado para reforzar la idea de soledad y melancolía de los protagonistas.

Todo se filma como si se estuviera recordando, envuelto en un halo de tristeza y de melancolía, pero también de idealización y de belleza.

El tiempo de la narración no es lineal. Hay una alteración de la temporalidad. Es el caso en que nos ofrece antes la consecuencia y después la causa.

La música también es preponderante y está al servicio de la búsqueda de la emoción complementaria a la imagen, tiene la función de remarcar la aflicción y el drama interior de los dos enamorados. La melancolía de los personajes se consigue mediante el uso de planos largos y estáticos que provocan un ritmo fílmico lento. El efecto aumenta si se le añade un tema musical cíclico y repetitivo.

ANÁLISIS DE LA PELÍCULA “PULP FICTION”

Segunda película de Tarantino en la que -con su particular estilo narrativo que escamotea gran parte de la información hasta el final- narra tres historias intercaladas, cargadas de violencia y humor negro, con un prólogo y un epílogo.

Pulp Fiction de Tarantino, refleja desde un punto de vista postmoderno la realidad de nuestras sociedades, tomando como muestra la sociedad más corrupta: La sociedad Norteamericana. Tarantino refleja en esta película todas las perversidades que pueden existir en una comunidad, desde drogas, dinero sucio, asesinatos a mano fría hasta violaciones de hombres a hombres.

Cuando uno termina de ver la película, lo primero que lo invade es una sensación de asco al ver todo lo que allí se presenta, también una sensación de frustración ya que la manera como la historia es contada no es de una forma lineal y toca ir sacando secuencias para ir construyendo la trama de una forma lógica y poder comprender que es lo que Tarantino nos quiere decir.

El manejo del tiempo es de forma circular, ya que en la cafetería es donde se inicia la historia y es precisamente allí donde finaliza. Respecto a la utilización de los planos, vemos que se encuentran muy a menudo los detalles o primerísimos planos (la cerradura de la puerta, la cerradura del maletín, la bolsa donde está contenida la heroína, la boca de Mia, entre otros). También se utilizan con mucha frecuencia primeros planos a las caras de los personajes con una tenue iluminación blanca, vemos además planos de campo medio, donde la acción principal son los personajes y el ambiente queda relegado al papel de transfondo, como es el caso de la secuencia de la charla entre Mia y Vincent cuando están en el Jackrabbit’s Slim. Otro planos que se utilizan en la película son el plano americano, la media figura, planos inclinados.

Con la iluminación se juega muchísimo, siempre de acuerdo a la secuencia que se desarrolle. Por ejemplo, en la secuencia de Vicent y Mia, cuando éste llega a la casa de ella a recogerla, vemos que iluminación de la casa es totalmente blanca, es decir, que predominan las luces blancas más que cualquier otra. En el bar donde está Marsellus Wallace, vemos que la iluminación es de tonos rojizos y anaranjados. En la primera secuencia, donde están Julius y Vincent, la iluminación va de claro a oscuro, claro, oscuro, claro, oscuro y así sucesivamente. Cuando ya está finalizando la secuencia de Vincent y Julius, cuando estos disparan sobre Brett, vemos que a cada choque de la bala con el cuerpo se distingue un color amarillo muy intenso, como si reflejara el odio o la fuerza con que se le está disparando. En la gran mayoría de los primeros planos hechos a la cara de los personajes, la luz sólo iluminaba la mitad de su cara.

El resto de la iluminación, como en el Jackrabbits’s slim, el apartamento de Butch y Fabianne, la casa de Lance cuando llevan a Mia para recuperarla de la sobredosis, es normal, no tiene nada que la haga tan relevante en la escena.

En la película yo encuentro una seria de metáforas, por ejemplo, cuando Vincent y Julius llegan al bar donde está Wallace, llegan con unas camisetas blancas, vemos como a pesar de que la iluminación allí es rojiza y anaranjada, la camisa de Julius permanece en un blanco impecable, mientras que la camiseta de Vincent, que también es blanca, si adquiere la tonalidad de las luces del bar. Creo que esto simboliza el espíritu de cada uno y quienes son ellos, Julius estaba muy dispuesto a dejar la vida de criminal que llevaba por acogerse al Señor, por eso su camisa de un blanco radiante, en cambio Vincent no y por eso su camiseta no tenía esa tonalidad. Esta misma situación se vuelve a repetir en la secuencia final, cuando Vincent y Julius están desayunando en la cafetería, la camisa de Julius sigue siendo un blanco resplandeciente, la de Vincent un blanco muy opaco.

Otra metáfora es cuando Vincent se inyecta la heroína, hacen la intercalación entre la secuencia cuando va preparando la jeringa y se inyecta con la secuencia cuando él va en su auto rumbo a casa de Mia, que sonríe y cierra los ojos. Creo que simboliza lo agradable que es el “viaje” con la droga y lo mucho que lo disfrutaba, es decir, lo bien que se siente. Otra metáfora que hay en la película se da en la secuencia de Fabianne y Butch cuando están en el motel, la televisión se encuentra encendida y están transmitiendo una película de guerra, ella se para de un costado, pero su imagen alcanza a reflejarse en una esquina de la pantalla, es una muchacha muy joven, tierna, dulce e inocente, vestida con una camiseta blanca, esto simboliza lo débil o más bien, lo frágil que resulta ser la paz ante situaciones o sociedades tan violentas como en la que vivimos hoy en día, como lo que muestra Pulp Fiction.

Análisis de la película Chungking Express

Cuarta película dirigida por el director hongkonés Wong Kar-Wai. Se estrenó en agosto de 1994.

Chungking Express es la historia de amor desastroso de dos policías.

Una película contemporánea más ligera, pero donde los personajes se enfrentaran a los mismos problemas, Chungking Express supone una ruptura en el conjunto de la obra: los personajes llegan a aceptar su soledad, son más autónomos y más independientes, no hallan desesperación en su propia búsqueda, sino sobre todo divertimiento".

No se hace uso de una explicación al público sobre el transcurso del tiempo o del cambio de historia entre personajes. Es un estilo NO LINEAL de contarlas y realmente le da un valor único a un medio que necesita nuevos métodos para contar las historias.

La soledad de los personajes no se pinta eterna e insondable: son gente joven que están pasando malos momentos, pero nada que vaya a hundirlos en el abismo de soledad inconfesa de otros protagonistas de su cine.
Aquí, ambas historias tienen un final bastante optimista, y el tono resulta bastante simpático, aunque no pueda calificarse de abiertamente cómico, latas de piña caducada o botellas de cerveza evocan desengaños amorosos, un avión de juguete expresa la nostalgia por la novia perdida, peluches como confidentes de intimidad, una pastilla de jabón, un trapo de cocina o una toalla que gotea como metonimia del frágil estado de ánimo del personaje.

Flashes, destellos, variaciones de velocidad, manchas de luz y de color desplegados por la pantalla a forma de pinceladas intuitivas que confieren a Chungking Express su verdadera naturaleza cinematográfica. La dilatación de las vivencias interiores, los deseos individuales, el movimiento y la inacción desprenden imágenes filmadas que convergen a un universo lírico donde la esencia del cine de Wong Kar-Wai se encuentra en estado puro.

El espectador intuye que el personaje experimenta y siente como dilatado, un instante de desconexión con el mundo real, capaz de condensar la vivencia subjetiva del pasado y del futuro al mismo tiempo. Todos los términos abstractos pertenecientes al entramado emocional de los personajes de la película emergen implícitamente al tiempo que el diálogo deviene únicamente visual y el paréntesis narrativo cede su protagonismo a lo poético, como si una búsqueda del paisaje interior de los personajes tratase de encontrar la sublimidad. Al mismo tiempo se contrapone la imagen figurativa con la aceleración congelada de las imágenes literalmente abstractas, lo que aporta un deslumbrante hallazgo conceptual a la operación visual.

Es lo que se considera poesía visual, un excelente director, es como si pintara con la cámara, la fotografía es de lo más cuidado que existe, la música, todo está hecho para que encaje a la perfección, en perfecta sincronía.

obras de dali

ANÁLISIS DE LAS OBRAS DE DALÍ

Obra 1

ANÁLISIS SENSORIAL PARA TODAS LAS OBRAS

Me gustaron todas las obras, ya que se ve mucho ingenio en ellas, y además a mi me gusta la obra literaria de Dante Aligheri  la Divina Comedia.

ANÁLISIS COMPOSITIVO PARA TODAS LAS OBRAS

Todas las obras son en diagonal y vertical tienen esta tendencia, en su gráfica.

ANÁLISIS CONTEXTUAL

Demonios, dioses de inspiración griega, seres mitológicos como centauros y dragones, cuerpos desproporcionados, caras de horror o personas pidiendo piedad son algunas de las imágenes que se pueden ver en los grabados de Dalí, donde igual que Dante, habla de las penurias del infierno y el purgatorio o la gracia del paraíso.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO

Religioso

ANÁLISIS DEL AUTOR

(Figueres, Gerona, 1904 - Púbol, 1989) Pintor español. Nació en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros.  

Puesto que la persecución sería incesante y el objetivo no habría de alcanzarse nunca y, dado que en ningún recodo de su biografía estaba previsto que hallara el equilibrio y la paz, decidió ser excesivo en todo, intrepretar numerosos personajes y sublimar su angustia en una pluralidad de delirios humorísticos y sórdidos. Se definió a sí mismo como "perverso polimorfo, rezagado y anarquizante", "blando, débil y repulsivo".

Su precocidad es sorprendente: a los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista y a los quince se ha convertido en editor de la revista Studium, donde dibuja brillantes pastiches para la sección titulada "Los grandes maestros de la Pintura".

En 1919 abandona su Cataluña natal y se traslada a Madrid, ingresa en la Academia de Bellas Artes y se hace amigo del gran poeta granadino Federico García Lorca y del futuro cineasta surrealista Luis Buñuel, de quien sin embargo se distanciará irreversiblemente en 1930.

En 1927 Dalí viaja por primera vez a París, pero es al año siguiente cuando se instala en la capital francesa y se une al grupo surrealista que lidera el poeta André Breton. Este último terminará expulsándolo del movimiento algunos años después.

TENDENCIA DE LA OBRA

Surrealista

ANÁLISIS COMPOSITIVO

Por eso, el famoso grabado del hombre durmiendo sobre una mesa en la que pone "el sueño de la razón produce monstruos", ahora viste una casaca roja, los animales de detrás son de tono marrón y con ojos resplandecientes y desafiantes, mientras que una especie de ying yang blanco se posa encima de la inscripción.

OBRA 2

ANÁLISIS CONTEXTUAL

La interpretación de la Divina Comedia que hace Dalí es medio onírica en su campo, en su método paranoico y crítico, siempre en ese mundo de los sueños, para rescatar lo que tiene el ser humano ahí adentro".

ANÁLISIS IDEOLÓGICO

Artesanal

TENDENCIA DE LA OBRA

Surrealista

OBRA 3

ANÁLISIS CONTEXTUAL

Pero la influencia de Goya no aparece sólo en estos grabados, sino también en una de las obras sobre la Divina Comedia, en la que una cabeza gigante se come el cuerpo de una persona, lo que recuerda el famoso cuadro del zaragozano "Saturno devorando a su hijo".

ANÁLISIS IDEOLÓGICO

Religioso

TENDENCIA DE LA OBRA

Surrealista

OBRA 4

ANÁLISIS CONTEXTUAL

La obra se compone de seres que están vestidos como caballeros de guerra listos para librar una batalla. Sobre los grabados de Goya que se adicionaron ciertos elementos mitológicos para darle una apreciación de miedo, e influir en la religión.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO

Religioso

TENDENCIA DE LA OBRA

Surrealista

OBRA 5

ANÁLISIS CONTEXTUAL

El espectador puede observar y sentirse pasar desde la angustia del infierno a la tragedia del purgatorio hasta llegar al plácido paraíso.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO

Religioso

TENDENCIA DE LA OBRA

Surrealista