REPRESENTANTES DEL IMPRESIONISMO Y ANÁLISIS DE SUS OBRAS

CLAUDE MONET

BIOGRAFÍA

El motivo es para mí del todo secundario; lo que quiero representar es lo que existe entre el motivo y yo.

Nació el 14 de noviembre de 1840 en la Rue Lafitte 45 de París, en el seno de una familia de comerciantes. Su padre se llamaba Claude Adolphe y su madre Louise Justine Aubrée, siendo el segundo hijo del matrimonio. Asistió a la escuela secundaria en El Havre donde recibió clases de dibujo de Jacques-François Ochard. La situación económica de sus padres hizo que se mudaran al puerto de El Havre, motivos de sus pinturas son de este lugar.

Estudió en la escuela privada de pintura, Academia Suiza, donde se dedicó al estudio de figuras hasta 1922.  Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Boudin.

Recibió clases de dibujo de Jacques-François Ochard, durante sus clases dibujaba caricaturas, a la edad de 15 años era ya conocido como caricaturista y recibía encargos.
Pintor francés quien a partir de la mitad de su carrera artística se incluye en el estilo impresionista. Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista, al final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Un ejemplo de este período creativo es la vista del puerto de El Havre titulada Impresión, sol naciente, que le dio nombre al movimiento.
En 1890 desarrolló el concepto de la «serie» en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas. Logró exponer sus obras en el salón de parís.

Practicó el plenairismo, práctica de la pintura al aire libre lo que hacía que sus elementos no se secaran u oxidaran rápidamente como había sucedido hasta entonces. Mientras que otros pintores realizaban sus obras dentro del taller tras un previo esbozo. Pudo minuciosamente observar y plasmar casi inmediatamente, a brochazos o pinceladas cortas y vigorosas, para aplicar el color que exigía esta nueva práctica.

En sus pinturas predominan los efectos de la luz sobre los objetos, que se refleja en los cabellos, en la piel, en los vivos colores de los vestidos, las flores y las hojas de los árboles. Los reflejos luminosos y las sombras coloreadas envuelven a los personajes que se presentan en actitudes naturales.
Fue destacado igualmente por los reflejos del agua con las luces y las sombras de los objetos que le rodeaban, los cambios, las vibraciones de esa luz; es por tal razón que representa especialmente vitalidad  serena llena de armonías.
Las obras de Monet son usadas con frecuencia en calendarios y postales, formando de esa manera parte de nuestra vida cotidiana.
Su proceso creativo iba más allá de la observación directa de la naturaleza y empleaba la memoria visual, su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos.
En sus temas la luz engendra el color y la forma. Su retina capta hábilmente el reflejo de la luz en cualquier lugar.
Observa que la incidencia de la luz varía con el paso del tiempo, y así se producen múltiples efectos que intenta rescatar con su ágil y rápida pincelada.
Centrado en la representación del momento fugaz e irrepetible, en la existencia y no en la esencia, en la atmósfera, el aire y la luz,  le atrae mucho todo lo que está sujeto a cambios.Pinta sin contornos, no utiliza el color negro y las pinceladas van el colores puros, sin mezcla.

A instancias de su amigo Clemenceau, Claude Monet firmó un acuerdo notarizado que legalizaba la donación, de los cuadros a ser propiedad del Estado.

A pesar de tener cataratas en ambos ojos siguió pintando, las cuáles fueron operadas con éxito.

En sus últimos años Monet destruyó varias de sus pinturas, ya que no quería que sus obras sin terminar, entraran al mercado de arte, como sucedió después de su muerte.
Nenúfares es una obra de serie que tiene un sentido abstracto hecho al final.
Sus obras tardías se componen sobre todo por series y cuadros de jardín. Su influencia se extiende incluso a la literatura.
Murió con 86 años el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.

ANÁLISIS DE SUS OBRAS

LA TERRAZA DE SAINTE-ADRESSE

Data del año 1867 y se trata de un óleo que mide 98,1 cm de alto por 129,9 cm de ancho. Actualmente se encuentra en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Estados Unidos.

Fue pintada en la terraza de una casa con vistas al mar de la ciudad balneario de Sainte-Adresse durante el verano de 1867. Los personajes que aparecen en el cuadro son probablemente el padre del pintor, Adolphe Monet, sentado en una silla y, al fondo, junto a la valla, Jeanne-Marie Lecadre, prima lejana del artista, junto a su padre el Dr. Adolphe Lecadre. El personaje que aparece de espaldas, semioculto por una sombrilla, puede ser Sophie Lecadre, hermana e hija de los personajes del fondo.

MUJERES EN EL JARDÍN

Data del año 1867 y se trata de un óleo que mide 256 cm de alto por 208 cm de ancho. Actualmente se encuentra en el Louvre de París, Francia.
La tela fue rechazada en el Salón de París. Es una de las primeras telas en las que Monet, abandonando el academicismo, se encaminaba hacia el impresionismo. Aún se nota en él, sin embargo, la inspiración por modelos clásicos y por la Escuela de Barbizon.
Representa un día de verano, con su despreocupado ambiente. Monet tomó a su mujer como modelo para esta obra.

Tres mujeres se divierten con vestidos de verano en un jardín de flores en el campo bajo un sol tan intenso que sus vestidos alcanzan el blanco en estado de gran pureza, con escasas modulaciones intermedias y marcadas escisiones entre las zonas de luz y sombra. La instantaneidad de la escena se pone de manifiesto tanto por la precisión luminosa del momento como por el dinamismo de las figuras, correteando y girando caprichosamente alrededor de un árbol. Con esta ambiciosa obra, Monet se aleja del tratamiento tradicional que hasta entonces se dio al retrato el retrato de su primera mujer, Camile, había sido ensalzado por Zola en el Salón de 1866- y se inclina por la integración de las figuras en la naturaleza.

LOS NENÚFARES

Es un ciclo de pinturas al óleo que ejecutó el pintor al final de su vida, sobre amplios paneles como el de la ilustración, que mide 219 × 602 cm, y que actualmente se exhiben en el Museo de la Orangerie de las Tullerías, en París, Francia. Estos inmensos paneles representan un lago con nenúfares.

Monet los pintó para que quedaran suspendidos en círculo (dentro de una estancia circular) de modo que crean el efecto del transcurrir de un día o el de las cuatro estaciones que se desvelan ante los ojos del espectador.
Están suspendidos en dos estancias ovales y suman ocho piezas. Los motivos le fueron proporcionados por los nénufares del estanque de su jardín en Giverny.

En su jardín construyó un puente japonés sobre un estanque que estaba repleto de nenúfares, conocido como «jardín de agua». Desde entonces y hasta el final de su vida pintó una y otra vez estas plantas acuáticas. Los nenúfares obtuvieron un gran éxito en 1909 y Monet profundizó en el estudio de estas plantas, con toda una serie de cuadros como Nenúfares en el crepúsculo (1910).

EDOUARD MANET

BIOGRAFÍA

Nació en París el 23 de enero de 1832, en una familia burguesa. Pintor y grabador francés. Hijo de Auguste un importante funcionario del ministerio de Justicia y su madre Eugénie-Désirée, era hija de un diplomático.  Édouard Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo.

Ante la resistencia paterna a que iniciara una carrera artística, trató infructuosamente de ingresar en la Escuela Naval hasta que, tras un segundo intento fallido, su familia accedió a regañadientes a financiar sus estudios artísticos, que inició en 1850 en el taller del pintor clásico Thomas Couture.

Se dedicó a viajar para ir copiando las obras de los grandes maestros.
En agosto de 1865 emprendió un viaje por España, en el que descubrió la pintura barroca española de Goya, o Tiziano, en particular a Velázquez, que tendrá una enorme influencia en su obra.
 No obtuvo éxito de ventas en las exposiciones que realizaba en el salón, más bien eran objeto de crítica y rechazo.
Trabajó en una serie de pinturas de contenido político, que reflejaban la ejecución del emperador Maximiliano I de México. Tuvo mucha relación con Monet, de dónde empezó a adoptar las técnicas impresionistas. A mediados de la década de 1870 que empezó a utilizar técnicas impresionistas.
Hacia 1880, su salud empezó a deteriorarse a causa de un problema circulatorio crónico, que no mejoró a pesar de someterse a tratamientos de hidroterapia. En esta época fue reconocido su talento con una medalla de segunda clase concedida por el Salón, y fue nombrado también Caballero de la Legión de Honor. Ya que no dejó depintar pese a esto.

Fue un personaje muy  contradictorio, se pasó casi toda su vida buscando fama y la fortuna, tuvo que esperar al final de su vida para conseguir eléxito, no fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra, ya que jamás expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los Salones oficiales, aunque le rechazaran y se rehusó identificar su trabajo con este movimiento. A principios de 1860 empezaron a ser reconocidas algunas de sus obras. (guitarrista español).
Los temas de sus cuadros eran considerados escandalosos. En su producción de finales de la década de 1870 acentuó el naturalismo de su temática para otorgar el protagonismo de sus pinturas.
Se dedicó a retratar la vida cotidiana, a su utilización de amplias y simples áreas de color y a su técnica de pincelada vívida.
Su estilo incluye el homenaje a la pintura española del Barroco junto al empleo de la estampa japonesa, como la articulación de las tonalidades a través de contrastes y la renuncia al claroscuro tradicional.

Pero de manera paulatina el artista va incorporando en sus obras escenas de la vida parisina del momento, convirtiéndose en un pintor de su ciudad, presenta un desnudo de la vida cotidiana, sin necesidad de recurrir a figuras mitológicas para mostrar la belleza femenina desprovista de ropajes.

Se preocupó por los efectos lumínicos, apegándose sin embargo a los tonos negros, casi prohibidos por los impresionistas, siempre ha buscado crear un tipo libre de composición.

Manet empezó pintando temas de género, mendigos, pícaros, personajes de café y escenas taurinas españolas como el Guitarrista español o Lola de Valencia. Y, poco a poco, fue incorporando escenas de la vida parisina del momento, como Música en las Tullerías.
Manet pintó su ciudad y la vida moderna y las representó tal como son, sin tapujos. Esta es la razón principal por la que su obra provocó el rechazo y la crítica. Para captar la realidad y la fugacidad empleó una pincelada rápida, directa y empastada.
Fue un observador distante, refinado, que contemplaba desde una elegante distancia el espectáculo que le rodea.
Murió 30 de abril de 1883 a los 51 años de edad.

ANÁLISIS DE SUS OBRAS

MÚSICA EN LAS TULLERÍAS (1862)

El tema es un concierto en el jardín del palacio de las Tullerías, al que asisten los personajes más destacados de la burguesía parisina.  Era un salón que se abría los fines de semana para oír música.
Se trata de una obra de estudio, en la que incluye algunos retratos de sus amigos, para los que se sirve de fotografías. Por ejemplo, están presentes su modelo favorita, Victorine Meurent y Baudelaire, que es una silueta esbozada, situada detrás de la primera dama de blanco, empezando por la izquierda.
También puede identificarse al propio Manet, con sombrero de copa y barba, en el borde izquierdo de la composición.
Utiliza los fuertes contraste entre blancos y claros con el negro y consigue crear una iluminación natural que hace pensar que se trata una escena al aire libre.

DESAYUNO SOBRE LA HIERBA (1863)

El cuadro representa un desayuno o almuerzo en un bosque, cerca de Argenteuil. En esta obra, Manet realiza un desnudo en un paisaje.
La mujer desnuda es su modelo favorita, Victorine Meurent, y junto a ella están al escultor holandés Ferdinand Leenhoof y su propio hermano, Gustave. Se encuentran entre los árboles y, al fondo, sitúa a otra joven que sale del baño. El cuadro fue muy criticado por el público. Aunque las escenas del ocio en el campo no eran una novedad, resultó chocante el contraste entre la desnudez de la joven y los dos hombres que la acompañan.

OLIMPIA (1863)

Se inspira en la Venus de Urbino de Tiziano, pero Manet sustituye a la diosa veneciana del amor y la belleza por una prostituta parisina, desnuda y tumbada sobre un diván.

Le acompaña su dama, una mujer negra con un ramo de flores, cuyo rostro se confunde con el fondo oscuro y contrasta con los tonos claros de su vestimenta. A los pies de Olimpia aparece un gato negro, que es símbolo de la ambigüedad, de la inquietud y de las relaciones promiscuas y eróticas.
A través del predominio del blanco y el negro consigue crear un ambiente íntimo y sensual.
Su Olimpia resultó escandalosa ante los críticos de la época, ya que no aparece ni idealizada ni avergonzada con su trabajo.
Las carnaduras de la mujer desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores son contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de íntima sensualidad.
El ramo de flores era un típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta. La orquídea entre los cabellos es también una referencia al sexo ya que se creía que tal flor poseía poderes afrodisíacos, calza una sola pantufla, esto en las pinturas alegóricas ha sido usado como símbolo de la inocencia perdida.
Cabe señalar que el nombre del cuadro no le fue dado por su realizador sino por Charles Baudelaire.

EL PÍFANO

Manet pintó El pífano influido por la manera de los retratos de Velázquez que había admirado en el Museo del Prado de Madrid.

Como en el cuadro del pintor español, Manet concibe un fondo sin profundidad, en que los planos vertical y horizontal son apenas distinguibles,  muestra la atracción de Manet por el efecto decorativo de unas figuras individuales de gran tamaño, con contornos enfáticos y colocadas ante una superficie de fondo. ^[]Frente al fondo monocromo, resalta la figura enérgicamente coloreada en base a una paleta reducida pero de colores vivos, en la que predomina la técnica del empaste: el negro muy nítido de la guerrera y los zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de la bandolera. Como resultado, la figura destaca firme, armoniosa y viva.

Además Manet retrata a un personaje anónimo, un adolescente, músico de la banda de la Guardia Imperial, que fue enviado a Manet por el comandante Lejosne.

ALFRED SISLEY

BIOGRAFÍA

Nació en París el 30 de octubre de 1839 en, fue un pintor impresionista francobritánico.
De padres ingleses, fue enviado a Inglaterra para aprender el idioma y realizar estudios de comercio, contrarios a sus deseos artísticos. Durante su estancia, Sisley mostró un gran interés por el arte y conoció las obras de John Constable, Richard Bonnington y William Turner.
Su padre supo ver el talento del hijo y le apoyó para que iniciase su aprendizaje artístico.
Empieza a pintar como aficionado e ingresa en el estudio de Charles Gleyre donde conoce a Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille y Monet con los que integró el grupo de los impresionistas. La guerra franco-prusiana de 1870 arruinó a su familia y obligó a Sisley a marcharse a Londres donde decide entonces ser pintor. En 1874 expuso en la primera exposición de los impresionistas y lo continuaría haciendo. En 1879, acudió al Salón oficial con la esperanza de salir de la miseria, que no obtuvo el éxito esperado; en 1884, tres de sus telas fueron ofrecidas al gobierno por Caillebotte y fueron rechazadas. Esta serie de fracasos impulsaron al artista a permanecer aislado en Moret, limitándose a enviar regularmente sus obras al Salón de la Sociedad nacional de bellas artes

Sisley fue eminentemente un pintor paisajista, que se distinguió de sus colegas impresionistas por la decisiva intervención en sus cuadros de los elementos más imponderables: el agua, la nieve, el cielo, la niebla, de tal forma que ha sido considerado, junto a Monet, como uno de los impresionistas más puros. Abandonan el taller para realizar la totalidad de la obra en plein air buscando transmitir la sensación visual en su estado inmediato.
Sisley nunca alcanzó el renombre y vivió en la miseria a partir del momento en que dejó de recibir la ayuda económica de su acomodada familia a causa de que quebró el negocio familiar de su padre.
El objetivo en sus obras era conseguir una representación espontánea y directa, centrándose en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.
Estudió en repetidas ocasiones el mismo paisaje con condiciones climatológicas diversas, intentando captar los efectos atmosféricos.
Dedicó todos sus esfuerzos al paisaje y aportó con su obra una nueva forma de entender el género que nace del conocimiento de la pintura romántica inglesa, se suma a la tradición de los paisajistas franceses y a la del resto de pintores impresionistas, y da lugar a uno de los capítulos más líricos y armoniosos del movimiento
Sus obras más destacadas son El Sena en Bougival, La inundación en Port y Una calle en Moret .

Da mucha importancia al cielo en cuanto al espacio total de la obra, generalmente se sitúa un horizonte muy bajo el cual deja casi dos tercios de la obra dedicada al cielo. Tienen una tonalidad gris, la cual si se mira detalladamente se observa que está compuesta por muchos colores, generalmente fríos.

Este gris lactescente, o sea de colores lechosos constantemente se presenta como una bruma o vapor, el cual es uno de los fenómenos de la pintura impresionista. Contraste frío-caliente, en donde se contrasta el cielo de colores fríos con la tierra de tonalidades terrosas y calientes.
Extraordinaria sensibilidad cromática y un gran sentido de la composición, de un hombre que pintó toda su vida al aire libre, que busca plasmar en el lienzo la impresión momentánea del lugar, los colores exactos que ofrece el día en sus múltiples fases.
Logra captar los efectos de la luz y de la atmósfera sobre el paisaje, con colores claros, luminosos y grandes pinceladas, cortas y delicadas.
 A diferencia de sus contemporáneos Monet, Renoir y Pizarro, que solían construir sus paisajes trabajando desde el primer término hacia el fondo del cuadro, Sisley siempre comenzaba la descripción de una escena a partir de la línea del horizonte, y seguía trabajando hacia delante, hasta llegar al borde superior e inferior del lienzo. El cielo tenía para él un valor poético y sentimental,
Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de poder contemplar cómo sus cuadros, que en angustiosos momentos de penuria había vendido a precios irrisorios, al poco de su muerte comenzaban a ser apreciados por la crítica y el público y alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado artístico. 29 de enero de 1899 en Francia Moret-sur-Loing.

ANÁLISIS DE SUS OBRAS
I
NUNDACIÓN EN PORT-MARLY (1876)

Esta localidad, Marly-le-Roi, donde Sisley residió un tiempo, sufrió en el año 1876 unas fuertes inundaciones.
En esta escena, el agua ya ha sido retirada casi al completo, pero Sisley reproduce los reflejos de la casa de la izquierda y los árboles de la derecha sobre el agua. Consigue crea una atmósfera transparente mediante el empleo de una pincelada diluida.

NIEVE EN LOUVECIENNES (1878)

Esta pintura Sisley retrata una nevada. Transmite la sensación de quietud y serenidad que dejan las fuertes nevadas en los paisajes rurales empleando una paleta de tonos grises para el cielo y de blancos para la nieve.

MEANDRO EN EL RÍO LOING. VERANO, (1896)

Meandro en el río Loing. Verano estudia las orillas del río Loing.
En primer plano aparece el meandro, con una vegetación poco densa y una figura humana, mientras que en la zona más alejada se concentra la zona boscosa.

EDAGAR DEGAS

BIOGRAFÍA
Nació en París, Francia el 19 de julio de 1834 con el nombre de Hilaire Germaine Edgar Degas. Pintor dibujante y escultor francés.
Hijo de un rico banquero, y su madre provenía de una familia de gran tradición de Nueva Orleans en Estados Unidos. Su padre lo orientó hacia los estudios de derecho, pero no se opuso a su vocación artística cuando Edgar manifestó el deseo de ingresar en la Escuela de Bellas Artes, donde se formó con un discípulo y admirador de Ingres, Louis Lamothe. Más tarde, completó su formación en el Louvre y realizó dos viajes a Italia. En el Louvre, mientras copiaba un cuadro de Velázquez, conoció a Manet, quien lo introdujo en el círculo de los impresionistas. Edgar Degas se dedicó bien pronto a la pintura. En 1853 ingresó en el taller del pintor Barriasy. Se dedicó a copiar las pinturas de los grandes maestros del Renacimiento y las esculturas clásicas,los frescos de Rafael y Miguel Ángel en la Capilla Sixtina serán las principales atracciones para el joven pintor.

Maestro en la pintura de la figura humana en movimiento. Entre sus trabajos realizó muchas pinturas con escenas de bailarinas. También plasmó su arte en retratos y cuadros históricos de expresión romántica.
Aunque Degas es considerado un artista impresionista, sus trabajos muestran la singularidad necesaria que lo separan de ese estilo. Admiraba a Ingres y los maestros del renacimiento italiano, pero también recibió la influencia del arte japonés y las tendencias simbolistas. En sus primeras obras sigue las tendencias neoclásicas, pintando cuadros de historia influido por el romántico Delacroix.
Era un hombre tímido, sensible, algo retraído, con una gran vida interior que a veces le dificultaba la relación con sus semejantes, tal como puede observarse en la serie de autorretratos que realizó entre 1854 y 1858, esto se debió quizás a la estrecha relación que tenía con su madre al perderla a los 13 años.
Las relaciones de Degas con el movimiento impresionista fueron bastante complejas. A pesar de que participó en siete de las ocho exposiciones del grupo y mantuvo contactos con todos los pintores que lo constituían, se negó a practicar la pintura al aire libre y su obra posee indudables resonancias realistas e incluso clásicas.
La captación visual del instante en Degas no puede asociarse al paisaje, que apenas practicó, sino se reconocen algunas pinturas relacionadas con la música, el baile o la escena, hacia los temas sociales como ambientes de café, teatro y circo, logró plasmar tan magistralmente en su obra el movimiento.
Sus complejas relaciones con las mujeres influyeron notablemente en su arte y propiciaron su curiosidad a través de la mirada, un "voyeurismo" que se manifiesta en esos cuerpos que, en realidad, parecen haber sido robados a la intimidad femenina, mientras las mujeres se preparan para la escena.
Degas se convertiría también en fotógrafo amateur, tanto por placer como para capturar una acción con precisión para su pintura.
Preferencia por los temas urbanos con escenas iluminadas artificialmente, en lugar de la pasión por la naturaleza y la luz natural, no abandona el dibujo sino que lo convierte en elemento esencial de sus elaboraciones de figuras, predominando la línea sobre el color; abandona la técnica al óleo para dedicarse exclusivamente al pastel en varias capas; utiliza encuadres que lo acercan a la fotografía.
Grandes planos, a veces apaisados; composiciones descentradas o asimétricas (con grandes vacios en uno de los laterales); juegos de perspectiva; cuerpos en escorzos muy forzados; y enfoques de sus personajes captados en ángulo picado o poniendo en primer plano una cabeza.

Se interesó así mismo por el mundo de los caballos y los jinetes, que dio pie a sus únicas obras ambientadas al aire libre, aunque con un espíritu muy distinto de los demás impresionistas.
Cotidianidad de los temas tratados.
Otra faceta destacada de su arte es la escultura, realizando numerosas estatuas de caballos, bailarinas o bañistas desnudas, llegando a ser considerado por Renoir como el mejor escultor moderno.
El carácter del artista se hace cada vez más agrio con el paso del tiempo, mostrando de manera abierta sus prejuicios sociales, criticando la democracia y la educación de las clases trabajadoras.
Sus últimos meses los pasó postrado en la cama, falleciendo el 27 de septiembre de 1917 en París.

ANÁLISIS DE SUS OBRAS

CARRERAS DE CABALLOS. ANTES DE LA SALIDA

Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 49 cm de alto y 62 cm de ancho. Fue pintado en 1862. Actualmente, se encuentra en el Museo de Orsay, de París, Francia.
Las carreras de caballos es uno de sus temas favoritos del pintor, en los que explora el movimiento. Eran punto de encuentro de las distintas clases sociales.
Representa una escena antes de la salida. El primer plano lo ocupan los caballos y sus yóqueys, vestidos con maillots de colores.
Detrás se ve la fila de los espectadores. El fondo está ocupado por un prado, a lo lejos se ven las chimeneas de las fábricas y toda la parte superior está dominada por un cielo brumoso.

EL FOYER DE LA DANZA EN LA ÓPERA

Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 32 cm de alto y 46 cm de ancho. Fue pintado en 1872. Actualmente, se encuentra en el Museo de Orsay, de París, Francia.
Edgar Degas es conocido sobre todo por estos cuadros de bailarinas de ballet, vestidas de tul, con lazos y sus características zapatillas, tanto en ensayos como sobre el escenario.
En este caso se ve al maestro del ballet, en pie al lado derecho, apoyado en un bastón con el que marca el ritmo y corrige los movimientos.
Hace un gesto con la mano a la bailarina que está ensayando, que aparece en el lado izquierdo del cuadro, con el que le pide más reserva y comedimiento.
Al lado del maestro está un violinista, sentado ante el atril. Alrededor de estas figuras, hay otras bailarinas, unas en la barra de la pared del fondo, otras mirando la escena.

LA ORQUESTA DE LA ÓPERA

Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 56,5 cm de alto y 46 cm de ancho. Fue pintado hacia 1868-1869. Actualmente, se encuentra en el Museo de Orsay, de París, Francia. También es conocido con el título de Los músicos de la orquesta.
Se trata de uno de los cuadros realizados en los años 1860-1870, representando el mundano ambiente de la ópera, como ya hizo en el Retrato de Mlle.
En este caso, se centra en los músicos, ejecutando un retrato de su amigo D. Dihau, que tocaba el fagot en la orquesta de la ópera. Alrededor de él, el resto de los músicos dentro del foso, vestidos de negro y sumidos en la sombra.
Por delante, el límite del foso está marcado por una rampa. En último plano se ve la parte inferior de las figuras de las bailarinas, con sus vaporosos tutús, iluminados por una luz fría.
Destaca en esta obra la composición y encuadre, casi fotográficos. Recuerdan a la obra de Daumier y las estampas japonesas.

AUGUSTE RENOIR

BIOGRAFÍA

Auguste Renoir nació en Limoges en febrero de 1841, Hijo de artesanos siendo el penúltimo de cinco hijos, durante su adolescencia trabajó en el taller China de París de los hermanos Lévy donde pintó figuras decorativas sobre porcelana, aquí, empieza a pintar temas que emanan dulzura y sentimentalismo heredados del Rococó. Copiaba pinturas sobre abanicos, pantallas de lámparas y persianas hasta los 17 años. En esa actividad adquirió el gusto por las piezas de gran luminosidad y de pinceladas rápidas.

Pintor francés, perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes. El pintor Rafael tuvo una gran influencia en él.
Postuló a la Escuela de Bellas Artes y entró al taller de Gleyre con 21 años, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley.
Renoir, ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza, no suele incidir en lo más áspero de la vida moderna.
En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores, siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino. Fue famoso por la armonía de sus líneas, la brillantez de su color y el encanto íntimo de sus muy variados temas pictóricos.

La carrera de Renoir realmente se inicia en 1867 con la exposición de la Lise à l’ombrelle.
Pinta gran cantidad de paisajes pero sus obras más características tiene por tema la vida social urbana.
En todos sus temas el énfasis lo pone en la juventud y la vitalidad. Su más grande obra durante este período es Déjeuner des canotiers; la mujer que juega con el perrito en este cuadro será su esposa, Aline Charigot. Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su período ingresco, en busca de las fuentes. En 1878  se alejó del grupo impresionista y buscó el éxito en los salones oficiales.

Los contornos de sus personajes se vuelven más precisos, dibuja las formas con gran precisión, los colores se vuelven más fríos.
Su representación de la gracia femenina no ha sido superada en la historia de la pintura moderna.
El tema de la mujer, por el que el artista mostró claramente su interés adopta, por lo general, un tratamiento de gran consistencia y de resonancias clásicas.
La escultura plástica del cuerpo femenino y la de los colores límpidos que actúan por transparencia.
Trabajó a finales de los ochenta varias veces con Cézanne y con la mujer más dotada de la pintura impresionista y que Renoir tanto admiraba, Berthe Morisot, hasta el fallecimiento de ésta en 1895.
En esa época Renoir se hizo también escultor: encontró manos ajenas que moldearan para él la arcilla como él indicaba. Fue el joven español Ricardo Guinó un ayudante. Así nacieron esculturas que no fueron nunca tocadas por las manos de Renoir y que, sin embargo, son sus obras más originales, creaciones de su espíritu y su modelo de la belleza humana.
 
Durante los últimos 20 años de su vida padeció de artritis. Aunque le era imposible mover las manos libremente, continuó trabajando con un pincel atado al brazo y en silla de ruedas.
Murió el 3 de diciembre de 1919 en Cagnes, una villa al sur de Francia, luego de visitar por última vez el Louvre donde ya se exponían sus pinturas, recién pasada una fuerte pulmonía, y sería enterrado a los tres días en Essoyes junto a su esposa. Fue padre del destacado cineasta francés Jean Renoir, que comenzó practicando el naturalismo cinematográfico y terminó depurando su estilo hasta alcanzar el impresionismo en algunos films.

ANÁLISIS DE SUS OBRAS

BAILE EN EL MOULIN DE LA GALETTE

Es una de las obras más célebres del pintor impresionista francés Pierre-Auguste Renoir, que se conserva en el Museo de Orsay en París, siendo uno de los cuadros más emblemáticos del museo.
Renoir en este cuadro presenta un baile en el Moulin de la Galette, en el barrio de Montmartre.Se ve la luz a través de los árboles, y se refleja en la ropa, en el primer plano, a la derecha abajo se ven unas diagonales creadas por unos bancos y una mesa donde estan sentados amigos del pintor, casi en el centro se ve a una pareja que da la sensación de que toda la fiesta gira en torno a ellos, en uno de los bancos hay una señora y una niña, y en otro un hombre y una mujer , que no se sabe si estan discutiendo o cortejandose , el movimiento que se ve en el cuadro, que da la sensacion de que la gente está bailando, viene dado por la ondulación de las cabezas, se presentan naturalezas muertas, se destacan un jarrón y unos vasos sobre la mesa, tiene influencias de la fotografia, ya que corta los cuerpos.

LAS GRANDES BAÑISTAS

Es un cuadro de Auguste Renoir, pintado entre los años 1884 y 1887, perteneciente al periodo ingresco de la obra del pintor. Se conserva en el Museo de Arte de Filadelfia (Estados Unidos).
Esta gran pintura, que realiza poco después de su retorno de Italia, marca una etapa importante en la obra de Renoir. Se inspira en una escultura de François Girardon (El Baño de las Ninfas (1672)), bajorrelieve en plomo realizado para una fuente del parque de Versalles), pero había sido igualmente influenciado por las obras de Ingres y, sobre todo, de los frescos de Raphael, de cuyo artista se impregnó a lo largo de su viaje a Italia. Estos dos grandes artistas van a influir desde entonces en la manera de pintar y de dibujar de Renoir, que a partir de entonces va a pintar de una manera más disciplinada y más clásica. Él renuncia a pintar al aire libre y desnudos femeninos -que era hasta entonces la esencia de su pintura- su sujeto principal.
En esta época, Renoir comenzará a desmarcarse del impresionismo y atravesará por un periodo de dudas. Más tarde confesará a Ambroise Vollard:
"Hacia 1883, se había producido una fragmentación en mi obra. Yo había estado entorno al impresionismo y llegaría a esta constatación en que yo no sabría ni pintar ni dibujar. En una palabra, yo estaba en un callejón sin salida."
Su nueva manera -iniciada en su vuelta de Italia- que corresponde al periodo conocido como "seco" o "ingresco", es además caracterizado por un dibujo más preciso como en "Los Paraguas" (1882-1884) o "El Baile en la ciudad" (1883)
En "Los Grandes Bañistas" Renoir un contorno neto, una materia lisa y un reparto de la luz uniforme. El dibuja las formas con más rigor, los colores se vuelven más fríos. El deseaba que las formas femeninas fueran más talladas ,estructuradas, es lo que le reprocha Camille Pissarro. Los cuerpos se vuelven más importantes que los decorados, como si estos conservasen un papel por jugar. El decorado no es más que un primer plano. Se inspira profundamente en Cézanne, con el que había pasado algún tiempo pintando en L'Estaque en su retorno de Italia.
Las dos principales modelos de "las Grandes Bañistas" son Aline Charigot, en primer plano -que fue una de sus principales modelos antes de en 1890 su mujer-, y Suzanne Valadon, la rubia, madre de Maurice Utrillo.

ALMUERZO DE REMEROS

El cuadro muestra un grupo de amigos de Renoir descansando en una terraza de la Maison Fournaise sobre el río Sena en Chatou, Francia. El pintor y el mecenas, Gustave Caillebotte están sentados abajo a la derecha. En el fondo se vé a la futura esposa de Renoir, Aline Charigot, jugando con un pequeño perro.

En este cuadro Renoir capturó una gran cantidad de luz. Como se puede apreciar, la mayor cantidad de luz viene de la gran abertura en el balcón, atrás del hombre en camiseta y sombrero. Las camisetas de ambos hombres en el fondo y el mantel de mesa actúan en conjunto para reflejar esa luz y enviarla a través de toda la composición.
El cuadro tuvo un papel protagónico en la película "El fabuloso destino de Amélie Poulain" (2001) de Jean-Pierre Jeunet.

CAMILLE PISARRO

BIOGRAFÍA
Jacob Abraham Camille Pissarro, nació en Santo Tomás, Islas Vírgenes el 10 de julio de 1830, era hijo de un próspero comerciante Abraham Gabriel Pissarro, un judío sefardí portugués y Rachel Manzano Pomié dominicana.
Asociado en un principio con la Escuela de Barbizon, Pissarro se unió más tarde a los impresionistas y tuvo representación en todas sus exposiciones. A los 12 años viajó a París para realizar sus estudios con el paisajista francés Camille Corot, y el ambiente de la ciudad despertó en él su interés por el arte. De regreso a Santo Tomás, su padre le negó el permiso para estudiar arte, por lo que trabajó en el comercio paterno mientras realizaba bocetos inspirados en la Isla.  Fue un pintor impresionista y después neo-impresionista francés. En sus momentos libres se dedicaba a dibujar. Posteriormente abandonó su hogar debido a la oposición de sus padres a que se convirtiese en artista. Viajó a Caracas (1852), acompañado de su maestro, el pintor danés Fritz Melbye. Allí se dedicó plenamente a la pintura, realizando paisajes y escenas de costumbres.

En 1855 se trasladó a París, donde asistió a la Escuela de Bellas Artes y a la Academia de Jules Suisse. Estudió con el paisajista francés Camille Corot y trabó amistad con Claude Monet, Cézanne y Armand Guillaumin.
Considerado como uno de los fundadores del movimiento impresionista. Pintó la vida rural francesa y escenas del barrio de Montmartre. Entre sus discípulos se cuentan Paul Cézanne, Paul Gauguin,
Su estilo en esta época era bastante tradicional. Se le asocia con la Escuela de Barbizon aunque pasado algún tiempo evolucionó hacia el impresionismo. Se le considera, junto con Monet y Alfred Sisley, uno de los impresionistas puros. Al volver a Francia después de su estancia en Londres, participó plenamente en las exposiciones del grupo impresionista, del que fue cofundador. Además, fue el único que participó en las ocho exposiciones del grupo (1874-1886).

Durante la Guerra Franco-prusiana, (1870-1871), volvió a residir en Inglaterra, donde estudió el arte inglés y en especial los paisajes de William Turner. En los años 80 experimentó con el puntillismo y produjo escenas rurales de ríos y paisajes y también escenas callejeras de París.
Atraído por la tierra, pintó la vida rural francesa, en particular paisajes y escenas representando personas trabajando en el campo.
Tras un período neoimpresionista, volvió al lirismo y al esplendor cromático del impresionismo.
En 1895, un empeoramiento de la enfermedad ocular que padecía le obligó a pintar paisajes urbanos de París desde la ventana de su casa. Como profesor tuvo como alumnos a Paul Gauguin, Paul Cézanne, su hijo Lucien Pissarro y la pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Políticamente fue simpatizante del anarquismo.
Hacia 1866 se unió a Manet, Monet, Rendir, Sisley y Guillaumin, grupo de estudiantes influidos por Courbet y de cuyos experimentos y descubrimientos respecto de los valores como distintos del claroscuro, nació el impresionismo .

Hasta 1866 pintó con gama sobria, a la manera que prevalecía entre los pintores influidos por Corot y Courbet. Sus obras de esta época de verdes austeros y grises sombríos constituyen lo que podría llamarse su manera negra. Su ascensión progresiva hacia la plena luz y yuxtaposición brusca de colores la debió a la influencia de Manet.
Pisarro es el pintor de la naturaleza agreste y de la vida rústica. Nunca buscó motivos raros ni horizontes excepcionales, ni embelleció las cosas. Por esto sus obras causaron repugnancia, trabajó mucho al óleo, a la aguada, al aguafuerte y a la litografía.
En la década de 1880, experimentó con el Puntillismo, el nuevo estilo, sin embargo, no cuajó entre los coleccionistas y galeristas, y tuvo que volver a un estilo impresionista más libre. Pintor del sol y de destellantes juegos de luz, Pissarro produjo buen número de tranquilas escenas rurales de ríos y paisajes.
Tras un período neoimpresionista, volvió al lirismo y al esplendor cromático del impresionismo, vistas urbanas llenas de vida, luz y color.
En tales pinturas (en general de tonalidades terrosas o agrisadas), a fin de realzar los efectos luminosos, empleó pinceladas ‘vermiculares’ (en forma de coma) dadas diagonalmente, y acentuando todavía los efectos del colorido mediante la diseminación, en el fondo del lienzo, de otras manchas y pinceladas breves que se entrecruzan. Se destaca la relación de su pintura con sus convicciones políticas.

Sus temas campesinos reflejaban sus ideas anarquistas.
El 13 de noviembre de 1903 muere en su apartamento del boulevar Morland de París.

ANÁLISIS DE SUS OBRAS

CASTAÑOS EN OSNY

En esta obra, Pisarro presenta a unos campesinos realizando las tareas agrícolas. La escena queda enmarcada por castaños a ambos lados. La sensación de profundidad se consigue a través de la iluminación. Predominan los tonos cálidos y la pincelada rápida.

DILIGENCIA A LOUVECIENNES

Representa una diligencia que se dirige a Louveciennes. El momento elegido es una tormenta, en concreto, el instante posterior a la lluvia. Las figuras que aparecen llevan un paraguas para protegerse del agua.
Los tonos utilizados son oscuros y la pincelada es rápida y empastada.

BULEVAR DE MONTMARTRE

La serie del bulevar de Montmartre, de París, es un ejemplo de sus escenas urbanas. Representa la misma vista del bulevar bajo distintas condiciones de iluminación y atmosféricas.
En Boulevard Montmartre en la tarde, elige los últimos rayos del sol del atardecer. Mientras algunos de los edificios están en sombra, otros permanecen iluminados, jugando así con los contrastes lumínicos. El boulevard aparece lleno de transeúntes y carruajes, creando un efecto de movimiento urbano.
Completa la serie con la mañana invernal, la mañana grisácea o el efecto nocturno.

PAUL CEZANNE

BIOGRAFÍA

Nace en 1839 en Aix-en-Provence en el seno de una familia de gran holgura económica. En 1859 entra en contacto con la naturaleza. Cézanne tuvo como condiscípulo a E.Zola, que le abrió todo el campo de la literatura romántica y los planteamientos del Realismo y Naturalismo. Procede de una familia adinerada, su padre, de origen italiano, poseía un establecimiento bancario.
Siguió cursos de dibujo que tenían como punto de partida a David e Ingres. Sus primeras obras son las típicas copias. Su padre se empeñó en que estudiara derecho, con el apoyo materno consigue su traslado a París para empezar su carrera como pintor.
Fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente.

Se inscribió en la Academia Suiza en la que trabajaba con modelos del natural, En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez, lo que marcó profundamente su evolución artística.
Se sintió de inmediato atraído por los elementos más radicales del mundo artístico parisino. En 1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura, se inscribió en la Academia Suiza para preparar el examen de ingreso en la de Bellas Artes.
Fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento, expuso sólo de forma ocasional. Crea el puente entre el impresionismo del siglo XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX, el cubismo.
Cézanne pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural,  excursiones para pintar paisajes juntos del natural, en Louveciennes y Pontoise.
Aunque parecía tener menos dominio de la técnica que los otros impresionistas, Cézanne fue aceptado dentro del grupo.

Sus pinturas provocaban hilaridad, indignación y sarcasmo, intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico,  manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo.
Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color.
Sus pinceladas, a menudo repetitivas, sensibles y exploratorias, pequeñas pinceladas y planos de color se conjugaban para formar campos complejos, expresando al mismo tiempo las sensaciones del ojo que observa y una abstracción de la naturaleza observada.
Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente.
El periodo oscuro, París
La obra de madurez de Cézanne muestra el desarrollo de un estilo de pintura solificado, casi arquitectónico. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal. Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a su esencia geométrica.
Además, la atención concentrada con la que había registrado sus observaciones de la naturaleza dieron como resultado una profunda exploración de la visión binocular, que resulta de dos percepciones visuales simultáneas y ligeramente diferentes, y nos proporciona una percepción de la profundidad.
Se trata de un periodo caracterizado por colores oscuros y un intenso uso del negro, con pigmentos espesos, muy empastado. A menudo se usan para estas obras los términos antisocial o violento, o también eróticas o macabras. Su temática es la figura en el paisaje y comprende muchas pinturas de grupos de figuras grandes y pesadas en el paisaje, pintadas imaginativamente.
Periodo impresionista, Provenza-París
Pretendían atrapar los efectos lumínicos fugaces así como su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza. Bajo la influencia de Pissarro, Cézanne comenzó a abandonar las normas académicas y la paleta sombría. Sus lienzos se hicieron mucho más brillantes, con colores claros, eligiendo los colores primarios y sus complementarios, además de forzarle a observar atentamente la realidad. Su tema favorito son paisajes.
Fijó su residencia definitivamente en Provenza en 1880 y se independizó de los impresionistas. Se  interesó por la figura humana, continuó pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, pero fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía lograr expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas.
Representó tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color.
Periodo de madurez, Provenza
Para Cézanne la solución a todos los problemas técnicos del impresionismo radicaba en utilizar el color de un modo más ordenado y expresivo que el de sus compañeros impresionistas.
Cézanne es una figura fundamental para la vanguardia del siglo XX,Picasso y Matisse.
También descubre la pintura del Romanticismo y del Realismo.
Desarrolló la estructura de la composición plana para crear el estilo cubista.
En su empeño por desarrollar una narrativa realista. Exaltación de los volúmenes, rasgo que lo diferencia de los demás impresionistas.

Murió el 22 de octubre de 1906.^[ Murió de neumonía y fue enterrado en el antiguo cementerio en su amada ciudad natal de Aix-en-Provence.

ANÁLISIS DE SUS OBRAS

LOS JUGADORES DE CARTAS

Obra plenamente figurativa, donde los protagonistas son campesinos de Aix-en-Provence, llega a una pintura despojada de la anécdota. Las formas se representan simples y contundentes, los colores sobrios, los contornos de las figuras en negro las aíslan del entorno en que se encuentran, los personajes parecen ensimismados.
Cezanne busca en la naturaleza las formas esenciales, que para él son las figuras geométricas, el prisma, la esfera, la pirámide y en consecuencia, plasma lo que contempla. Así, al representar un objeto, no lo hace de un lado solamente, sino que lo muestra desde posiciones diferentes. Realizó algunos paisajes y antes de trasladar al lienzo el motivo, se sentaba ante él y lo estudiaba cuidadosamente.

LA MONTAÑA DE SANTA VICTORIA

Es un tema que trató en serie. Escalonaba los planos sucesivos subrayándolos con el colorido. Concibe los árboles como cilindros y las casas, construidas a base de planos, enfatizan la geometrización del cuadro.
Esta obra pertenece al género paisajístico, uno de los favoritos de Cézanne, junto al bodegón y el retrato. Es, además, uno de sus temas predilectos: la montaña de Sainte-Victoire, macizo calcáreo del sur de Francia.
Cézanne no pretendía una representación estática del paisaje. Quería lograr la unidad entre el color, la composición, la superficie y la tectónica. Además, buscaba dar una base teórica a sus experiencias y experimentos. Es una serie de cinco cuadros sobre el tema de la partida de cartas, que realizó entre 1890 y 1895 (la comenzó estando en Suiza y la acabó en Aix-en-Provence).
Pertenece a la época de madurez (década de 1890) en la que Cézanne produce sus principales lienzos. Ejemplifica los cuadros en los que los personajes están fuertemente anclados en su decorado.
Especialmente en las tres últimas versiones, todos los volúmenes están definidos de manera geométrica, lo que confiere a los dos personajes una dignidad clásica. En las versiones iniciales son tres jugadores contemplados por otros personajes, composición que va simplificando hasta reducirla a dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz.
Distorsionando la visión perspectiva, Cézanne logra obtener el máximo grado de centralidad, que resulta increíble en una escena de vida. Toda la tela está construida con tonos de los colores azul, amarillo y rojo. Esta restricción cromática «intensifica la sensación de austeridad formal».
Las pinceladas se presentan solitarias y sintéticas, como el reflejo sobre la botella o el simple trazo que describe el ojo del jugador de la derecha. Pinta con la técnica del facetado, lo que es evidente en la cara del jugador de la izquierda. Éste lleva un sombrero de forma cilíndrica, lo que recuerda la afirmación de Cézanne de que«Todo en la naturaleza está modelado según la esfera, el cilindro y el cono».

CESTO DE MANZANAS

Es un cuadro realizado en óleo sobre lienzo. Mide 65 cm de alto y 80 cm de ancho. Fue pintado en los años 1890. Pertenece a la colección Helen Birch Bartlett Memorial, del Instituto de Arte, Chicago, Estados Unidos, donde se expone con el título de The Basket of Apples.
Pertenece al género del bodegón. Este lienzo a menudo destaca por su perspectiva dislocada. Por ejemplo, el lado derecho del sobre de la mesa no está en el mismo plano que el lado izquierdo, como si la imagen reflejara simultáneamente dos puntos de vista. Cuadros como este ayudaron a tender un puente entre el Impresionismo y el Cubismo.

BERTTE MORIOT

BIOGRAFÍA

Nació en Bourges, Francia el 14 de enero de 1841, pintora impresionista francesa, en el seno de una familia burguesa, fue precisamente su familia quien la animó y a su hermana Edma a iniciarse en el arte. Fue educada en el gusto por las artes y la música. Su interés y capacidad creativa hicieron que profundizase en su formación pictórica. Nieta de Fragonard, el famoso pintor clásico francés del barroco. Gracias a su maestro Achille Oudinot conocieron a Camille Corot, que influyó en ellas de forma determinante.
Morisot demostró las posibilidades de las mujeres en las artes a fines del siglo XIX, fue miembro activo del grupo impresionista cofundara y la primera mujer en formar parte del grupo, e incluso Manet alabó su estilo ágil y suelto. A la edad de 20 años conoció a Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon. Éste la admitió como su discípula y la introdujo en los círculos artísticos.
Creaba pequeños cuadros y esbozos para grandes obras que terminaba en el estudio. Su primera participación en el Salón de París fue en 1864 con dos paisajes y continuó exhibiendo continuamente en el Salón hasta 1874, año de la primera exposición impresionista, en la que participo con La cuna.

En 1868, conoció a Édouard Manet y en 1874 se casó con Eugène Manet, su hermano menor. Ella fue la que convenció al maestro de pintar al aire libre y lo atrajo al grupo, sin embargo, nunca se consideró como impresionista, ni estuvo de acuerdo con exhibir junto al grupo.
Morisot, junto a Camille Pissarro, fueron los dos únicos pintores que tuvieron cuadros en todas las exposiciones impresionistas, fue  modelo de Manet tanto en diversos retratos como en su obra de gran formato El Balcón.
Fue relegada a la categoría de "artistas femeninas" por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas), pintaba la inmediatez, lo que veía en su vida normal. Como una mujer de la alta burguesía, estaba habituada a escenas domésticas, deportes campestres y un amplio círculo de mujeres, que en el grupo masculino estaban vetados. Sin excepción, sus cuadros muestran unos temas equivalentes al de sus colegas masculinos.  Las mujeres impresionistas pintaban su entorno social.

Su técnica se basa en un tratamiento de pinceladas suaves desde un principio hasta que evolucione a un impresionismo más expresado, cuando el tratamiento más libre de la pinceladas rápidas y planas y la atmósfera más tratada con el color permitan reflejar una estética más de índole impresionista.
A partir de 1880, la influencia de Renoir se refleja en su obra. La frescura luminosa de su paleta, la factura libre y vigorosa, así como, la atmósfera poética de sus lienzos. Paisajes y escenas cotidianas o retratos íntimos permiten hacer un recorrido por la producción artística, así como por su vida privada.
Ha sido considerada durante mucho tiempo como una acompañante de Edgar Degas, Claude Monet, Camille Pisarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.
Sus paisajes, retratos femeninos y escenas cotidianas reconocen su protagonismo indiscutible.
Ante los bosques de pinceladas de colores que conformaban sus jardines y los delicados desnudos femeninos en actitudes cotidianas, los desnudos son presentados desde la perspectiva de un voyeur. Ella los rodea de un ambiente intimista y cotidiano que facilitan la aproximación del público. Vivía su pintura y pintaba su vida.

Triunfó en un mundo reservado a los hombres.
En su obra se proyectan multitud de figuras femeninas a partir de las cuales reflexiona sobre su condición de mujer y de artista. Se trata de una pintora autorreflexiva cuya virtud dominante en su obra fue la autoconciencia.
Morisot fue "una rebelde suave, que hizo compatible sin conflictos su condición de esposa y madre con la de pintora. Fotografías de la artista junto a sus familiares y amigos más cercanos está las pinturas de Morisot.
La pintora francesa usaba su propia vida como fuente de inspiración.
Siguiendo esta corriente pictórica, Morisot prestaba especial atención a la luz y el color, encarnada en su caso en la delicadeza y una cierta sensualidad. Pintura elegante y luminosa. Participando en la mítica Primera Exposición Impresionista de 1874.
Su técnica, basada en grandes pinceladas aplicadas libremente en todas direcciones, dio a sus obras unas calidades transparentes, iridiscentes, tornasoladas.

Murió el 2 de marzo de 1985 en París a los 54 años, habiendo completado alrededor de 860 obras durante su vida.

ANÁLISIS DE SUS OBRAS

EL ESPEJO DE VESTIR

Perteneciente a la Colección Permanente del Thyssen, es una de las pinturas que Morisot presentó en la Tercera Exposición Impresionista de 1877.
Pintada con suaves pinceladas, muestra a una joven vistiéndose pausadamente frente a un espejo de estilo Imperio, lienzo cargado de lirismo.
Es un cuadro emblemático. Hay cientos de cuadros de mujeres mirándose en el espejo, pero desde los ojos de un hombre.
Berthe nos ofrece, casi por primera vez, una mirada femenina.
No es una pieza magnificente por dimensiones o por complejidad; al contrario, es su sencillez lo que atrae. Hay un sofá acolchado, elegantemente tapizado y en perfecta armonía con el cortinaje, a través del cual difunde la luz natural. El cromatismo en tonos claros de la alcoba y de la joven, contrasta bellamente con el precioso color carmesí de la rica alfombra. Una unión impecable de la frescura y la calidez hace que todo en la estancia resulte acogedor y permita imaginar el bienestar “burgués” del que parece disfrutar la protagonista.
Morisot nos descubre a una joven, en gesto más distraído que coqueto, en pleno proceso de acicalamiento; está componiendo su ropa interior, una combinación de un tejido vaporoso y seguramente noble. Pero a pesar de que incurrimos en un espacio muy privado, la naturalidad aleja cualquier sensación de intromisión. Es, en definitiva, una imagen delicada de algo muy cotidiano, un retrato amable, bien alejado de las instantáneas tan indiscretas de otros artistas.La obra es también exquisita en ejecución.

 Con trazo resuelto y espontáneo, aunque se intuye un pormenorizado estudio previo de la composición, esta gran dibujante o mejor dicho “desdibujante” pues no precisa de contornos definidos para lograr la precisión, consigue transmitir una sensación perfecta de amplitud, aunque muestre tan sólo una parte de la habitación. Las pinceladas amplias, libres y trazadas en múltiples direcciones transmiten una magistral liviandad, a pesar de la contundencia de las mismas en cuanto a densidad del óleo. Mediante el uso de colores degradados y de infinitos matices para la confección de las sombras porque las sombras ya no serán nunca más auténticas sombras en la paleta impresionista, da un tratamiento magnífico a las transparencias y a las diferentes texturas de los elementos de la alcoba.

LA CUNA

Pintado en 1872. En la actualidad se encuentra expuesto en el Museo de Orsay, en París.
La cuna constituye la primera aparición en la obra de Morisot del tema de la maternidad, que posteriormente sería cultivado asiduamente por la artista. El lienzo revela la influencia de Édouard Manet, pintor al que Morisot había conocido en el Louvre en 1868 y de dónde copio su arte. La composición del cuadro se basa en la diagonal formada por la mirada de la madre hacia su hija dormida y la tela de la cuna en que esta duerme. La diagonal queda reforzada por el brazo izquierdo, doblado, de la madre, al cual responde el pequeño brazo, también doblado, del bebé.
Morisot utiliza en esta pintura un número reducido de colores y una pincelada fluida. El cuadro refleja una atmósfera de gran intimidad, dulzura y amor protector. Este cuadro intenta una nueva representación de la infancia.  Este cuadro participa de una evolución retórica: Morisot abandona todo pintoresquismo anecdótico y los títulos cobran una simplicidad de buen gusto, destinada a informar inmediatamente al espectador del contenido de la obra y permitirle proyectarse como en su propia cotidianeidad.

DÍA DE VERANO

El Bois de Boulogne sería uno de los lugares favoritos de la burguesía parisina para pasar sus días de ocio. Los impresionistas lo utilizaron en numerosas ocasiones para realizar sus obras como en este caso.
Morisot nos presenta a dos jóvenes en una barca en un soleado día estival; la luz inunda la escena, distorsionando los contornos al crear cierto efecto atmosférico y provocando reflejos plateados en el agua. Las dos figuras recuerdan a Renoir, artista con el que Berthe estaba más identificada por esas fechas, siendo su admiración por Manet entonces más limitada. La pincelada empleada es muy suelta, con largos trazos cargados de pasta pictórica con la que crea sensación de inacabado de gran belleza.
Luces y colores se adueñan de la composición.

MARY CASSAT

BIOGRAFÍA

Mary Stevenson Cassatt nació el d 22 de mayo de 1845 en la ciudad de Allegheny, EE.UU, en el seno de una familia acomodada, su padre era banquero. Cursó estudios en la Academy of Fine Arts de Pennsylvania (1861-1865). Entre 1866 y 1874 estudió y pintó por Italia, Holanda y España, finalmente se instala en París, donde residió hasta la fecha de su fallecimiento. Admiradora desde su infancia de Velázquez y Rembrabdt, recibió influencias en su estilo del arte japonés.
A pesar de no contar con la aprobación de sus padres, a la edad de quince años inició sus estudios de pintura en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania (1861-1865), donde recibió sus primeras clases de música y dibujo.
Cansada de la actitud condescendiente de profesores y alumnos, así como del lento desarrollo de las enseñanzas, decidió estudiar a los maestros del arte por sí misma y se trasladó a París en compañía de su madre. Dado que no era posible para las mujeres matricularse en la Escuela de Bellas Artes, siguió estudios privados con diversos artistas, y realizó mucha práctica como copista en el Museo del Louvre.

Bajo la influencia de Manet,Degas y Renoir, fue invitada a formar parte del grupo de los impresionistas, tras el rechazo de las dos obras que había presentado al Salón. 
Un nuevo viaje la llevará en 1873 a Madrid y Sevilla, donde realiza varios cuadros de temas españoles. En 1872 observamos una maduración en su estilo, debido en parte al estudio de los maestros en los más importantes museos europeos y a las indicaciones de su maestro Camille Pissarro.
Ese mismo año una de sus pinturas fue aceptada por el jurado para ser expuesta en el Salón de París.
 Los críticos dijeron que sus colores eran muy brillantes y que sus retratos demasiado fieles para favorecer al modelo. Expone sus obras de forma rebelde e independiente.
Poco después de su triunfo con los impresionistas, Cassatt dejó la pintura para hacerse cargo de su madre y hermana, quienes enfermaron, su hermana murió en 1882, lo que dejó a la artista sin ánimo para pintar; su madre recuperó la salud, tras lo cual retomó la pintura.

Permaneció unida al círculo de los impresionistas hasta 1886, pues ya no se identificaba con éste ni con ningún otro movimiento artístico.
Una honesta y simple copia de la realidad; empezó a experimentar con varias técnicas, y en su trabajo posterior sus pinturas nos muestran escenas domésticas y retratos de madres e hijos en íntima relación.
La década de 1890 expuso regularmente en las galerías neoyorquinas e incluso se convirtió en modelo a seguir para jóvenes artistas norteamericanas.
Fue en general hostil a los movimientos pictóricos posteriores, como el posimpresionismo, el cubismo y el fauvismo. Recibió la Legión de Honor francesa (1904).
Empezó a destacar los trazos y a experimentar con composiciones asimétricas y con gestos y posturas más naturales e informales. Mary Cassat fue un gran apoyo para el movimiento Impresionista debido tanto al apoyo financiero como a la promoción de las obras de los impresionistas en los EE.UU.

De Edgar Degas, y otros impresionistas, adquirie un interés en retratar la vida cotidiana, la inclinación hacia la íntima doméstica en lugar de lo social y lo urbano.
Sus primeras obras se caracterizaron por una especial iluminación, su pintura se transformo a un dibujo más enfátizado y seguro, colores con más valentía y más definidos, crea un impresionismo refinado, de ejecución magnífica donde sus personajes se presentan vívidos y frescos.
Si bien la técnica impresionista clásica tiene una apariencia más bien áspera, Mary Cassatt la hace evolucionar y consigue aplicar la suavidad que proviene de su naturaleza femenina.
Emplea tonos claros y su dibujo es firme, tanto en sus lienzos como en sus grabados y pasteles, de muchísimo mérito.
Fue diagnosticada de diabetes, reumatismo, neuralgia y cataratas, y tuvo que dejar de pintar por hallarse casi completamente ciega. Tras 11 años de completa inactividad artística debido a su ceguera, falleció en 1926.
Nunca contrajo matrimonio, pues desde muy pronto consideró que ello era incompatible con el desarrollo de su carrera. Fallece el 14 de junio de 1926 en Château de Beaufresne, cerca de París.

ANÁLISIS DE SUS OBRAS

VERANO
Con detalle, se puede apreciar perfectamente cada pliegue de los vestidos
Está realizado con grandes pinceladas, muy sueltas, enérgicas y frescas, sin detallar.